Unidad 5. EL clasicismo musical.
Objetivos
1
Descubrir la evolución histórica de los
instrumentos y las agrupaciones instrumentales.
2
Apreciar manifestaciones musicales
tradicionales de diversos lugares.
3
Designar correctamente la «música clásica».
4
Conocer el nacimiento de la sonata y la
sinfonía.
5
Interpretar con los compañeros y las
compañeras adaptaciones de música clásica.
6
Escuchar grabaciones actuales de música
de Haydn, Mozart, etc...
7
Mejorar la aplicación del lenguaje
musical y la capacidad para escuchar música.
8
Respetar y valorar las manifestaciones
musicales del Clasicismo.
9
Escuchar obras de grandes músicos como
Mozart, Haydn , etc...
10
Interpretar fragmentos vocales
polifónicos.
11
Interpretar piezas adaptadas en
conjuntos instrumentales.
12
Descubrir el papel del músico como
artista de la burguesía y la nueva aristocracia.
13
Conocer las óperas Clásicas: La flauta
mágica, etc.
1.
La música en Carnaval.
El carnaval es una
celebración pública que tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma
cristiana, con fecha variable (desde finales de enero hasta principios de marzo
según el año), y que combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y
fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en
cualquier época del año. A pesar de las grandes diferencias que su celebración
presenta en el mundo, su característica común es la de ser un período de
permisividad y cierto descontrol.
El origen de su celebración
parece probable de las fiestas paganas, como las que se realizaban en honor
a Baco, el dios del vino, las saturnales y las lupercales romanas,
o las que se realizaban en honor del toro Apis en Egipto.
Según algunos historiadores, los orígenes de esta festividad se remontan a las
antiguas Sumeria y Egipto, hace más de 5.000 años, con celebraciones
muy parecidas en la época del Imperio Romano, desde donde se expandió la
costumbre por Europa, siendo llevado a América por los navegantes españoles y
portugueses a partir del siglo XV.
El carnaval está asociado
principalmente con el catolicismo, y en menor medida con los cristianos
ortodoxos orientales; las culturas protestantes usualmente no celebran el
carnaval o tienen tradiciones modificadas, como el carnaval danés. La
celebración del carnaval más grande del mundo es la de Río de Janeiro;
Otros carnavales internacionalmente famosos son los
de Barranquilla en Colombia, Oruro en
Bolivia, Venecia en Italia, Las Palmas de Gran
Canaria, Santa Cruz de Tenerife y Cádiz en
España, Veracruz y Mazatlán en México.
2.
El clasicismo musical. Contexto Histórico.
Causas
políticas, intelectuales y sociales. El Estilo Clásico que se desarrolla entre 1770 y 1800, surge
primero como una consecuencia de las innovaciones introducidas en distintos
movimientos anteriores, ubicados en Alemania, pero también se vio propiciado
por el ambiente político, intelectual y social de este último cuarto de siglo
del XVIII.
Además de
estas motivaciones políticas, hay que buscar un trasfondo intelectual al
surgimiento del estilo clásico:
-La Ilustración hace su aparición. La creencia de que el
hombre nace libre afirmada por Rousseau (“Contrato social”, 1762), Voltaire y
otros fue recibida con avidez en muchos sectores.
-Las
nuevas ideas de “Liberté, egalité, fraternité“, se dejaron ver en la
literatura y la música, ejemplo Don Giovanni de Mozart. Esenciales para la
creación de las organizaciones fraternales, en especial, las logias masónicas,
donde militan reyes y músicos.
-El
concierto público significó
que las ejecuciones llegaban ahora a un auditorio mucho más amplio de lo que
jamás había llegado.
Los
cambios económicos llevaron la actividad musical al alcance de un amplio segmento
de la sociedad. El tiempo de ocio, el dinero para instrumentos musicales, etc.
Se escribe mucha música para los aficionados (música doméstica). También se
publican libros de instrucción o métodos.
El
compositor subió en la estima general, llegó a ser considerado como un artista
y no sólo como un sirviente. La
Música era consumida rápidamente, es decir, el público estaba
ávido de novedades musicales y los compositores escribían gran cantidad de
obras, como el caso de Haydn, con más de 100 sinfonías. Aunque conocemos la
existencia de otros músicos importantes, van a destacar durante este periodo
las figuras de Haydn y Mozart.
3.
Generalidades de la música del periodo clásico.
3.1.
Características generales:
- Música Objetiva: En general, la música de este periodo es objetiva, es decir, que
expresa ideas puramente musicales, sin pretender expresar sentimientos
personales. Es pues, contenida de emociones, cortesana, refinada,
elegante, algo superficial, pero no pobre.
- Nuevas formas: En cuanto a las formas musicales, desaparecen gradualmente
algunas que son típicas del Barroco musical, como el preludio, la suite,
el concerto-grosso o la fantasía, practicándose esporádicamente la fuga
(como en el último movimiento de
- Nuevos procedimientos compositivos: se abandona el acompañamiento del Bajo
Continuo, la sonata clásica y el concierto
se estructura en cuatro movimientos.
- La forma sonata se aplica tanto a instrumentos solistas, como a dúos, tríos,
cuartetos y orquestas sinfónicas.
- Una característica del clasicismo es la búsqueda
de la perfección formal, del orden y el equilibrio con la forma
sonata.
3.2
Elementos musicales del clasicismo.
Desde el
punto de vista de los diferentes elementos que integran la música del
Clasicismo, puede observarse varios fenómenos:
- Melodía.
Predomina la claridad y la simplicidad. Las frases están nítidamente
delimitadas, son cortas, regulares y cuadradas, siendo habitualmente las
de ocho compases, divididas en dos periodos muy relacionados.
- Ritmo.
Sencillo y regular (cuadratura rítmica), con silencios intercalados.
- Armonía.
Es transparente y no cromática. Está integrada a base de acordes
sencillos, predominando la cadencia perfecta. (Dominante-tónica).
- Textura.
A menudo es homófona o vertical, apareciendo el conjunto como
acompañamiento armónico de una melodía o tema. Desaparece el antiguo bajo
continuo y se abandonan las formas contrapuntísticas.
- Tímbrica.
La música instrumental es más importante que la vocal, se asientan las
bases de la orquesta moderna, prestando especial atención al colorido y
sonoridad de cada instrumento y a su individualidad dentro de la orquesta,
se evitan registros extremos.
- Dinámica.
Se presta especial atención a los contrastes expresivos, nunca bruscos, a
base de fuerte y piano, y el uso del crescendo y el diminuyendo.
Sin embargo, la música del clasicismo no tiene aún los arrebatos ni
apasionamientos del Romanticismo, sino que es mesurada, tranquila.
4.
Estilos preclásicos: Estilo Galante y Estilo
Sentimental. Mannheim.
El estilo Galante o Rococó, aparecido en Francia durante la regencia del Duque de Orleáns
(1715-1723) tenía, desde el punto de vista musical, las siguientes
características:
-Recupera
el gusto por el Adorno, tanto en la música vocal, como en la instrumental.
-La música
se convierte en el arte de los sentimientos, con el propósito de lograr una
respuesta del sentimiento y no de la razón.
-La música
instrumental refleja especialmente el espíritu rococó, y no nos sorprende que
la sonoridad delicada del clave haya inspirado buena parte de la música más
representativa del estilo galante: Francois Couperin
(1668-1733), conocido como el Grande es el mayor
representante.
http://www.youtube.com/watch?v=xol4cEFiGOs&feature=related http://www.youtube.com/watch?v=n8FogVoA1VI&feature=related
Estilo
Sentimental. Este estilo surge a mediados del siglo
XVIII en el Norte de Alemania con el ánimo de lograr una expresión íntima,
sensible y subjetiva. C. P .E. Bach va a ser el compositor
que mejor encarne este ideal en música. Sostenía el principio de que el fin de
la música era tocar el corazón y mover los afectos, para conseguirlo
recomendada que se tocara desde el alma.
Se trataba de
una reacción contra el estilo estricto (Galante). La principal diferencia es
que los alemanes utilizan menos adornos, con moderación, como recomendaba
Quantz y C P E Bach.
Concierto chelo C P E Bach :
http://www.youtube.com/watch?v=7OdOabG8lMM&feature=fvst
La
ciudad de Mannheim
comenzó su carrera ascendente en materia de importancia política y cultural en
1720. El fundador de la
Escuela de Mannheim fue Johann Stamitz (1717-1757);
bajo su dirección, la orquesta de Mannheim conquistó renombre a
través de toda Europa por su virtuosismo, por su desconocida extensión dinámica
que iba desde el pianisimo mas suave hasta el fortísimo mas
intenso y pasando por el estremecedor sonido del crescendo. http://www.youtube.com/watch?v=tGGzxgB0I2g
Couperin C.P.E. Bach Stamitz
5.
Música vocal: La ópera clásica.
Gluck, el gran reformador. Christoph Willibald Gluck (1714-1787).
Las ideas de
Gluck quedaron claramente expuestas y resumidas tras la composición de su obra Orfeo
y el prólogo escrito para la obra Alceste. Gluck se había propuesto:
·Liberar a la ópera del virtuosismo de los cantantes.
·El recitativo no debía destacarse demasiado del aria, sino que se
unía a ella.
·Es notable la participación del coro, anteriormente desterrado.
·La orquesta potencia sus posibilidades al utilizarse desde un
punto de vista colorista, con empleo y separación de distintos timbres
orquestales
· También es muy característico de Gluck el modo en que se
construye las arias, con continuos cambios de tiempo.
Aunque
estos elementos renovadores y reformadores se hallan en Orfeo y Alceste,
la culminación de su trayectoria la alcanzó con Iphigénia en Aulide, que
se estrenaría en París en 1774. Pero la obra maestra de Gluck fue “Iphigénia
en Tauside” (1779). Utiliza todos los recursos de la ópera: orquesta,
ballet, canto solista y coral. Las óperas de Gluck se constituyeron en
modelos para las obras de sus sucesores inmediatos en París, y su influencia se
transmitió al siglo XIX a través de compositores como Cherubini (1760-1842),
Spontini (1774-1851) y Berlioz (1803-1869) en Les troyeurs.
Las óperas de Mozart.
Mozart no fue un reformador ni un
renovador como Gluck. Su aportación principal fue la de otorgar rasgos nuevos y
personales, partiendo de la unión y el conocimiento profundo de la tradición.
Las dos obras
maestra de la música de ópera seria de Mozart son: “Idomeneo, rey de Creta”
(1781) y “La clemencia de Tito” (1791), pero esta última tuvo menos éxito,
en unas fechas en que la ópera seria ya está en declive.
El gran tríptico italiano las bodas de
fígaro (1788), Don Giovanni (1788) y Cosa fan tutte (1790), En estas obras Mozart
impulsó de forma decisiva los conjuntos y finales. El éxito de Las
Bodas de Fígaro llevó al encargo de Don Giovanni (1788), drama giocoso de
carácter muy especial. La leyenda medieval sobre la cual se basaba la trama
había sido frecuentemente en la literatura y música, pero por primera vez, Don
Juan había sido tomado en serio, como héroe romántico, como un rebelde que
iba en contra de la autoridad. Cosa fan tutte es una ópera buffa, dentro
de la mas fiel tradición italiana.
Las óperas
de Mozart sobre libretos en alemán (Signspiel), muestran que su concepto
del Signspiel iba más allá de la tradición. La Flauta Mágica ,
aunque es un Signspiel, es al mismo tiempo una de las mas grandes óperas
alemanas. Aria de la reina de la noche: http://www.youtube.com/watch?v=9Xp8PaBKoWA
6.
Música instrumental. Forma Sonata,
el cuarteto, concierto y sinfonía.
6.1 La Forma Sonata.
La forma sonata
fue desarrollándose desde el preclasicismo a través de las distintas formas
instrumentales (sinfonía, cuarteto), se terminó aplicando un esquema de
cuatro movimientos. Con el concierto y la sonata para piano (o solista y piano)
se prefirió un esquema de tres movimientos.
a) Forma sonata de primer movimiento.
La tendencia de fines de siglo XVIII de concentrar el máximo peso en el
movimiento inicial, ha hecho que ésta sea la estructura más elaborada y
dramática de todas. Un esquema general:
·
Exposición.
Se plantea el primer
tema, y uno secundario, en la dominante. Los temas son contrarios en carácter,
estructura y armonía. Puede haber un puente entre ellos.
·
Desarrollo. Se establece un contraste armónico-temático. Intenso trabajo
motivo temático y contraposición armónica- modulaciones divagatorias.
·
Reexposición. Que formalmente puede ser muy similar a
la exposición, pero el segundo tema en tónica, también un final o Coda.
Esquema: //:Exposición://
//:Desarrollo-Reexposición://
b) Forma
de movimiento lento. La
tensión se reduce al mínimo, dando como resultado una estructura menos
dramática. La mayor parte de las voces está constituida sobre el esquema A B Á,
conocido como forma Lied en tres partes.
c) Forma
de Minueto. Escrito
en compás ¾, bastante similar a la forma Lied A B Á.
Con el
esquema siguiente:
A
(minueto) B (Trío) A (Minueto).
c)
Forma de movimiento final de sonata.
Se
caracteriza por una organización formal mas holgada lo que hace que se relaje
mucho la tensión. Gran claridad en el ritmo y en el fraseo para aislar bien
cada tema.
Rondó:
A B A C A D A
6.2. El cuarteto de Cuerda. Es una composición para cuatro
instrumentos solistas de cuerda, normalmente dos violines, una viola y un
violonchelo. El término Cuarteto de cuerda casi no se utilizó hasta el
siglo XIX. Las principales fuentes en el
desarrollo del cuarteto de cuerda clásico hay que buscarlas en el Sur de
Alemania, Austria y Bohemia, en las sinfonías en cuarteto de la escuela de Mannheim
(1745) y en los divertimentos de carácter popular. Las obras de otros
compositores de Mannheim varían entre 2, 3 y 4 movimientos.
Haydn y
Mozart. Haydn marca el inicio de una serie de
auténticos cuartetos de cuerda: adopta el esquema en 4 movimientos, utiliza una
textura bien repartida entre las 4 voces, considera al grupo autosuficiente y
perfila la técnica de dar y tomar motivos y temas, que es la esencia del
verdadero estilo de cuarteto. Haydn
profundiza en el balance de la textura y en la claridad estructural.
Ningún
otro contemporáneo llegó a los niveles de Haydn excepto Mozart, con sus cantantes
allegros dominados por el primer violín, que influyeron tanto en la obra de
Mozart. En los cuartetos dedicados a
Haydn, Mozart demuestra lo bien que había asimilado el estilo, produciendo un
conjunto que en varios aspectos, superan el modelo.
También
señalar a Bocherini como importante compositor de cuartetos,
revolucionando la forma desde el punto de vista dinámico. http://www.youtube.com/watch?v=4Y1QtLRSiMM
Haydn
Mozart
Bocherini
6.3. El
Concierto Clásico.
La
alternancia solista-tutti, esencia del concierto, se convierte en la
característica que va a ocasionar las diferencias formales que el concierto
clásico tiene con el resto de las formas instrumentales.
Desde 1750
hasta la emergencia de Mozart como maestro del concierto, el género está
representado principalmente por los hijos Bach. (W. F. Bach/ C. P. E.
Bach/ C. Bach).
Muchos
otros fueron notables en la composición de conciertos (J Stamitz en
Mannheim; Bocherini en Italia; Haydn en Austria).
Los
primeros conciertos de Mozart son adaptaciones de sonatas de
distintos compositores alemanes. Entre sus primeros conciertos
importantes están los cinco que escribió para violín, que muestran la
influencia del concierto preclásico y de la serenata austriaca. Sus conciertos
para instrumentos de viento fueron encargos de célebres instrumentistas, y
muestran una honda comprensión del instrumento, prefiriendo una sólida construcción
melódica al estéril despliegue virtuosístico.
Eje
fundamental son los conciertos para piano: El éxito de Mozart como
compositor y su popularidad puede verse por el número de conciertos que
componía. Todos estaban destinados a ser tocados por él mismo. http://www.youtube.com/watch?v=zPJOV4y4lwY
6.4. La Sinfonía.
El
antecedente más inmediato de la sinfonía moderna es la sinfonía de la ópera, la
cual a principios del siglo XVIII tenía una escritura fija en tres secciones o
movimientos: rápido-lento-rápido, utilizada por A. Scarlatti y sus
contemporáneos y adoptada fuera de Italia, en Alemania e Inglaterra. Los
términos Obertura y sinfonía fueron considerados sinónimos buena parte del
siglo XVIII.
Aunque
Alemania produjo e importó un buen número de estupendos compositores durante la
segunda mitad del siglo XVIII, no aporta nada significativo a la evolución de
la sinfonía.
Las causas que
impidieron el desarrollo de la sinfonía en esta época podemos resumirlas en: la
influencia de la Iglesia
Luterana , que ponía énfasis en la música vocal y para
órgano; la presencia cultural francesa, con formas como la suite y la elegante
ornamentación y , sobre todo, el interés por la ópera italiana.
El compositor
mas destacado en esta etapa es C. P. E. Bach. Con su
combinación sorprendente de rasgos barrocos, clásicos y prerrománticos:
·
Lo
barroco se observa en el uso de textura polifónica, en la imitación y el severo
estilo fugado.
·
Lo
clásico está presente sobre todo en el tratamiento melódico (motívico), que va
más allá de la simple continuación lineal.
También
profundizó en el uso de las ornamentaciones, convirtiéndolos en vehículos
afectivos. Intenta conmover al oyente mediante el uso de ornamentos cromáticos.
Su estilo sinfónico es original y lleno de detalles colorísticos.
Viena. Haydn
y Mozart.
A principios
del siglo XVIII Viena empezó a revelarse como capital musical de primer orden.
La influencia de la ópera italiana persistió en Viena durante todo el siglo
XVIII, esta influencia se muestra en el:
·
Gusto
vienés por la recapitulación, tiene su antecedente en el ritornelo y el aria da
capo operístico.
·
El
aria operística contribuyó a que se hicieran considerables avances en la
definición de la frase clásica.
Podemos tomar
el estilo sinfónico como uno de los rasgos más significativos de cada
compositor debido al largo periodo que los compositores se dedicó a componer
sinfonías.
·
Mozart
asimiló procedimientos de
muchas fuentes además de las austriacas, las más notables son de Italia y
Mannheim, elevando y ampliando los esquemas primitivos.
·
Haydn
intensificó sus
procedimientos más que desarrollar y refinar los de otros.
Haydn supera en veteranía como compositor de
sinfonías a todos los demás, Escribió
104 sinfonías.
-Armónico.
El ámbito armónico de Haydn es el mayor de todo el siglo XVIII, siendo
el compositor que escribió la mayor cantidad de sinfonías en modo menor de todo
el siglo.
-Finales.
Al utilizar técnicas de desarrollo en la exposición y la recapitulación,
demostró el enorme potencial de la forma sonata.
-Color y
ritmo. Utilizó nuevos timbres: inició la sinfonía con timbales (Nº 103),
sustituye el oboe por el corno inglés (nº 22). También innovó a través del uso
de sorpresas dinámicas yendo más allá del simple efecto.
Mozart comenzó su carrera como sinfonista en
Londres. Componía sinfonías esporádicamente, por esta razón sus sinfonías
tienen una instrumentación y en estilo mas bien heterogéneo y no reflejan sus
preferencias. La amistad que tuvo Mozart con J. S. Bach le acercó al cálido
estilo italiano, compendio de gracia rítmica y lirismo, al que añadió
profundidad armónica, el interés por la textura, la sutileza del fraseo y el
virtuosismo orquestal alemán.
7. Instrumentos Clasicismo.
Durante el
Clasicismo la orquesta se desarrolla principalmente debido a la agregación de
los instrumentos de viento, junto con la mayor importancia de la sección de
percusión. Así, el clarinete hace su aparición y otros instrumentos como el
fagot o la trompa, pasan a desempeñar un papel más melódico que tenían en el
Barroco, donde eran simples refuerzos de la línea del bajo.
Los
instrumentos de arco son el centro en la producción de música en el clasicismo.
Gracias al desarrollo del Cuarteto de Cuerda, principalmente a través de
la obra de Haydn, el violín, la
viola y el violonchelo ocupan un lugar predominante, sustituyendo
definitivamente a la viola de gamba. Habría que llegar hasta Beethoven
para que el violonchelo sea considerado capaz de desempeñar el papel de
solista. En cuanto al contrabajo, se impone en la orquesta como soporte de la
tonalidad, sustituyendo al bajo continuo.
Piano. El clavicordio fue muy apreciado en el siglo XVIII, sobre
todo en Alemania, por su sonido dulce y claro, si bien poco potente. Caja
de resonancia rectangular. El mecanismo, consistente en unos macillos unidos a
las teclas, permitía obtener una gradación de la intensidad del sonido según la
fuerza con la que se pulsaran las teclas. En 1710, el florentino Bartolomé
Cristofori había inventado el “clavicémbalo col piano o forte”.
8. Lenguaje musical: Matices de
Intensidad.
Dentro de la
terminología musical, llama matiz a cada uno de los distintos
grados o niveles de intensidad o de ritmo en que se realizan uno o varios
sonidos, piezas de música completas o pasajes determinados de una obra musical.
Principalmente se distingue entre dos tipos de matices: los matices dinámicos o
de intensidad y los matices agógicos o de tempo.
Los matices
dinámicos se indican por signos llamados reguladores y
por términos en italiano, llamados matices.
Reguladores. Existen tres signos de reguladores para
indicar variación de la intensidad del sonido.
Términos de
matices. El sonido puede
ser fuerte o débil, lo cual se expresa por la palabra forte y piano
respectivamente. Tanto el forte como el piano tienen grados de intensidad que
se expresan de la siguiente manera:
Término
|
Abreviación
|
Significado
|
pianíssimo
|
 |
Muy suave
|
piano
|
 |
Suave
|
mezzopiano
|
 |
Medio suave
|
mezzoforte
|
 |
Medio fuerte
|
forte
|
 |
Fuerte
|
Fortissimo
|
 |
Muy fuerte
|
La intensidad de uno o más
sonidos puede ser aumentada o disminuida de forma gradual, para lo cual se
utilizan los siguientes términos:
Término
|
Abreviación
|
Significado
|
Crescendo
|
Cres.
|
Aumentando en intensidad.
|
Decrecendo
|
Decres.
|
Disminuyendo en intensidad.
|
Diminuendo
|
Dim.
|
Disminuyendo.
|
Calando
|
Cal.
|
Disminuyendo.
|
9. Actividades del tema 5.
Música y carnaval. El clasicismo musical.
1. Describe el origen del carnaval.
2. ¿Qué es la Ilustración ?
3. Enumera las características
generales de la música del clasicismo.
4. ¿Qué sabes del estilo galante o
rococó?
5. ¿Qué aporta Gluck a la ópera del
Clasicismo?
6. Nombra cuatro óperas conocidas
de Mozart y di sus características.
7. Explica la forma sonata de
primer movimiento.
8. ¿Cuál es el antecedente de la
sinfonía clásica? ¿Quién fue el mayor compositor de sinfonías?
9. ¿Quién inventó el piano en 1710?
10. ¿Qué son matices de intensidad?
10. Elabora un trabajo de ampliación sobre la importancia de la música en el carnaval.
