Unidad 3. Música en el Renacimiento.
Objetivos.
· Valorar y reconocer la importancia de la
música en el Renacimiento.
· Conocer elementos del lenguaje musical:
las alteraciones del sonido.
· Interpretar canciones con voces e instrumentos.
· Conocer los de la música en el Renacimiento.
formas profanas y religiosas del renacimiento.
· Valorar y conocer la música instrumental
en el Renacimiento: La música para Vihuela.
· Instrumentos de cuerda: clasificación.
· Aprender villancicos navideños y villancicos
profanos renacentistas.
· Respetar las contribuciones propias y las
de los compañeros.
· Descubrir el origen de los villancicos.
· Interpretar música renacentista.
· Conocer la evolución de los instrumentos
en el Renacimiento.
· Diferenciar textura polifónica de
contrapunto imitativo y homofónico.
CONTENIDOS
DE LA UNIDAD
3.
- Renacimiento.
Contexto histórico.
Este término se emplea para referirse al arte de los siglos
XV y XVI, con principal localización en Italia. Este término significaba que el
hombre era ahora considerado como el centro de todas las cosas, renacer del
hombre.
Se suceden una serie de cambios políticos, sociales, culturales
y económicos, que determinan que se la considere el fin de la Edad Media y el
principio de la Edad
Moderna.
Cambios políticos: La instauración de monarquías
vigorosas tiende a unificar territorios
y crear grandes entidades políticas. Este momento, que coincide con el reinado
de nuestros Reyes Católicos se produce el nacimiento de los llamados Estados Modernos, Así aparecerán
los países actuales.
Un invento
de gran relevancia para la música será la
imprenta (Gutemberg,1455).
Cambios
religiosos: el Humanismo.
Todos los artistas, pensadores, pintores, escritores y músicos
sintieron que se estaba produciendo un cambio de rumbo. Si Dios era el ser o
centro principal de todo, el humanismo piensa que es el hombre el centro de
todas las cosas. http://centros1.pntic.mec.es/~devallea/isabel/css/humanismo.htm
En el ámbito científico, en este
periodo se asiste a un auge de las ciencias naturales modernas, con Copérnico,
Galileo Galilei y Kepler. http://www.biografiasyvidas.com
- Música religiosa en el
Renacimiento.
2.1.
Escuelas Polifónicas: Hablar de polifonía en el Renacimiento es hablar
prácticamente de toda la música, tanto religiosa como profana. Debemos aclarar
que la polifonía es fruto de un estilo internacional donde se mezcla multitud
de influencias entre compositores, y Escuelas polifónicas en diferentes países.
Por ello, cada autor va a tener unas
peculiaridades estilísticas que le van a diferenciar de los demás, su estilo va
a estar enmarcado en este estilo internacional.
Polifonistas
Ingleses (Siglo XIV) Con Dunstable a la cabeza da origen al
Renacimiento, su música influye en Europa, con armonías suaves y plenas, con
uso de terceras y sextas, influye decisivamente en la formación de la escuela
franco-flamenca.
Escuela
franco-flamenca. (XV-XVI) formada
por cinco generaciones de compositores, destacan Dufay, Ockeghem , Josquin Desprez, Willaert y Orlando di Lasso.
Esta escuela es fundamental para el desarrollo de la música del Renacimiento.
Escuela
Romana (S. XVI). Formando parte de
Escuela Veneciana
(S. XVI). Creada en torno la capilla de San Marcos de Venecia, dará origen al
Barroco. Destaca por el estilo concertado
y la policoralidad. Se considera fundador a Willaert, aunque también podemos citar a Rore, Claudio
Monteverdi.
2.2. Formas religiosas: El
Motete y la Misa.
2.2.1 El
Motete. El motete renacentista es un tipo de composición polifónica de texto religioso,
en el que la forma viene determinada por el texto. Los compositores Dunstable y Dufay
(S.XIV) marcan una etapa en la historia del motete. Dunstable añade
innovaciones como la unificación del texto en todas las voces y la estructuración
por secciones. Dufay se sirve del canon y sobre todo contribuye a perfeccionar
la técnica del Fabordón (con intervalos de de sexta entre dos voces a la que se
añade una tercera). A este tipo de motetes isorrítmicos de
principios del Renacimiento se les llama motetes festivos, eran compuestos para actos de especial
solemnidad. Grandes compositores de motetes serán también Josquim Desprez y Orlando di
Lasso.
Audición: Motete
de Dufay. Ejemplo de fauxbourdon. Esta
es la parte introductoria de Ave Maris Stella, la antífona mariana, en una composición de Guillaume Dufay,
transcrita a notación moderna. Las líneas superior e inferior son de
composición libre; la intermedia, llamada "fauxbourdon" en el
original, sigue la línea superior, pero exactamente a una cuarta justa por
debajo. La línea más baja suele estar, aunque no siempre, una sexta por debajo
de la superior; se embellece y acaba en cadencias a la octava. El texto del
motete procede por lo común de la liturgia, aunque muchos autores se inspiran
también en la Biblia
o en la primitiva literatura cristiana.
2.2.2 La Misa. A Dunstable
le debemos la creación de la misa cíclica, es decir, de la musicalización
del ordinario a través del uso de un cantus firmus o melodía profana
como elemento unificador de los diferentes números.
Tenemos
diferentes tipos de misa:
Ÿ Misa de cantus firmus. la obra se
basaba en un canto llano. Esta melodía aparecía en una de las voces que solía
ser la de tenor, y en ocasiones la voz superior (misa de discantus).
Ÿ
Misa de canción. La melodía tomada como base para la
composición es una canción profana. Una
muy empleada fue “L´ homme armé”.
Ÿ Misa parodia. Basada en
una composición polifónica ya existente (como un motete), la cual es tomada
como base y reelaborada para la misa.
Audición: Misa de Josquin Desprez.
Audición: Giovani de Palestrina. Misa Papa
Marcelo
Audición : Coral Ars
Nova. Palestrina. http://www.youtube.com/watch?v=oQLjHzYgj0o&feature=mfu_in_order&list=UL
Josquin Desprez
- Lenguaje musical:
alteraciones. Armadura. Circulo de quintas. Tono y Semitono.
Las alteraciones son signos
que colocados delante d las notas musicales modifican su sonido en cuanto a la
altura.
Tenemos dos tipos de alteraciones o signos: El
sostenido (#) eleva medio tono la nota. El bemol (b) baja medio la nota. Y el becuadro que anula la alteración.
También existe el doble sostenido o doble bemol, y el efecto es el de subir o
bajar un tono completo.
Una nota que
está alterada, lo seguirá estando si vuelve a aparecer dentro del mismo compás,
pero ya no lo estará al compás siguiente.
Armadura. Son las alteraciones que se sitúan
entre la clave y el compás. Determinan las diferentes tonalidades. Las notas que se vean alteradas dentro de la
armadura también lo estarán en toda la
pieza musical.
Circulo de quintas. Nos indica
las alteraciones propias de cada tonalidad.
Semitono: es la distancia mínima entre dos
sonidos musicales. En la escala de Do mayor, el semitono se encuentra de manera
natural entre los sonidos Mi-Fa y Si-Do. El
tono es la distancia máxima entre dos sonido correlativos.
- Los
Instrumentos de cuerda.
En los instrumentos de cuerda el
sonido es producido por las vibraciones de una cuerda tensada.
Pueden clasificarse en :
Instrumentos
de cuerda pulsada, para ser tocados
directamente con los dedos o una púa (guitarra) .
Instrumentos
de cuerda percutida, como el piano,
la cuerda se pone en vibración al ser percutida con un macillo (piano).
Instrumentos
de cuerda frotada: la cuerda es
frotada con un arco (violín).
Estos instrumentos suelen estar
construidos de madera, y poseen una caja de resonancia para amplificar el
sonido. Muchos de ellos poseen un mástil con clavijas, para tensar axial las
cuerdas y producir distintas alturas o notas según acortemos la cuerda fijada
sobre el mástil. El mástil puede llevar trastes (laminas de metal) para señalar
las distintas notas.
Origen mitológico: el origen de
estos instrumentos se atribuye al dios griego pagano Hermes
, el cual creo la Lira
cogiendo un caparazón de tortuga al que añadió tendones tensados como cuerdas. Hermes regaló la lira a Apolo,
y desde entonces apareció como atributo de este dios.
En la Edad
Media los instrumentos de cuerda servían para acompañar
la danza, o para acompañar el recitado de poesía. Se sabe que los juglares
acompañaban sus cantos de un instrumento de cuerda llamado Viele, antecesor del violín renacentista o rabel.
Los instrumentos de cuerda han ido perfeccionándose
con el paso de los siglos. La afinación temperada de Zarlino(S.
XVI), que sustituye a la afinación pitagórica,
hace que suenen mucho mejor. Los maestros artesanos encargados de realizar
estos instrumentos se llaman Lutiers
(laúd).
Actividad: Pon el nombre a estos instrumentos de
cuerda.
- Música vocal profana.
Formas profanas. Chanson, madrigal y villancico.
5.1. La
chanson. A comienzos del siglo XVI, la chanson es un género muy en boga en
Francia. Al igual que el madrigal, es un género que experimenta una importante
evolución durante el Renacimiento.
En la primera
mitad del siglo XV, la chanson ha sido llamada Chanson borgoñona. En un segundo
periodo, con Josquim Desprez, hay influencia de la música italiana y de géneros
como el madrigal y mayor uso de la
imitación. En un tercer periodo, a partir de 1530, surge asociada a París una
variante estilística llamada “chanson Parisina” . Homófona, en metro binario y
estructura estrófica, con dos partes contrastantes.
Audición:
Chanson Borgoñona. http://www.youtube.com/watch?v=4KjNmEWRDSQ
Tipos de textura polifónica:
Textura contrapunto imitativo:
En la textura
de contrapunto imitativo , las voces entran escalonadamente, repitiendo
el mismo diseño melódico. En la textura homofónica las voces llevan el mismo ritmo coincidiendo el texto
en la vertical.
5.2. El
madrigal. El género profano mas importante del siglo XVI en
Italia fue el Madrigal, que era una composición desarrollada de una poema,
construida como una serie de secciones, superpuestas, alguna contrapuntísticas
y otras homófonas, cada una de ellas basada en una sola frase del texto. En
este sentido, su forma se asemeja a la del motete, aunque en el madrigal las
secciones estaban mas claramente delimitadas y rítmicamente era mas variado y
vivo. Gracias a la aparición del
madrigal, Italia será por primera vez centro musical europeo.
Podemos
distinguir entre:
Madrigal
preclásico.(1500-1550) se caracteriza por: uso de cuatro
voces polifónicas, estructura por secciones, uso de agrupaciones de voces y
armonía sencilla. Con compositores como Josquim Despréz, Verdelot y Arcadelt.
Madrigal clásico. (1550-1580).
Representada por compositores como Cipriano
de Rore, Orlando di Lasso o Philippe de Monte. Los recursos compositivos
principales de este periodo son:
1. Búsqueda de
una mayor expresividad del contenido del texto mediante
2. Recursos
armónicos como modulaciones súbitas o progresiones atrevidas.
3. Empiezan a
utilizarse los madrigalismos, que consisten en una especie de descripciones
sonoras del texto.
Madrigal
tardío. (1580-1620).
La representan compositores como Luca Marencio, Gesualdo o
Monteverdi. El estilo de estos últimos madrigales es totalmente
revolucionario, rompiendo con la mayoría de las reglas que había tenido la
polifonía renacentista, con abundancia de madrigalismos y un uso abundante del
cromatismo, aspecto alcanzado por Gesualdo, con armonías extremas y
abuso de la disonancia.
Audición: Madrigal de Monteverdi. Voz: contratenor.
Los textos de los
madrigales. Aunque la mayoría de ellos estaban basados en
poesías cortas de una sola estrofa, de rima libre y un número moderado de
versos. En la etapa del madrigal tardío, los compositores tienen predilección
por la poesía de raíces más clásicas, especialmente por los sonetos de Francesco
Petrarca (1304-1374).
Onde tolse Amor l’oro, et di qual
vena,
per
far due trecce bionde? e ’n quali spine
colse le rose, e ’n qual piaggia le brine tenere et fresche, et die’ lor polso et lena? Onde le perle, in ch’ei frange et affrena dolci parole, honeste et pellegrine? onde tante bellezze, et sí divine, di quella fronte, piú che ’l ciel serena? Da quali angeli mosse, et di qual spera, quel celeste cantar che mi disface sí che m’avanza omai da disfar poco? Di qual sol nacque l’alma luce altera di que’ belli occhi ond’io ò guerra et pace, che mi cuocono il cor in ghiaccio e ’n fuoco? |
¿Dónde cogió el Amor, o de qué
vena,
el
oro fino de tu trenza hermosa?
¿En qué espinas halló la tierna rosa del rostro, o en qué prados la azucena? ¿Dónde las blancas perlas con que enfrena la voz suave, honesta y amorosa? ¿Dónde la frente bella y espaciosa, más que el primer albor pura y serena? ¿De cuál esfera en la celeste cumbre eligió el dulce canto, que destila al pecho ansioso regalada calma? Y ¿de qué sol tomó la ardiente lumbre de aquellos ojos, que la paz tranquila para siempre arrojaron de mi alma? |
5.3. Villancicos: Forma
vocal profana de origen castellano .Su
forma predominante consta de un estribillo de tres versos, una copla de siete
versos y de nuevo un estribillo, alternándose. Los últimos versos de la copla
si suponen una repetición musical de la melodía. Podemos observar la forma en el siguiente ejemplo.
Los
villancicos eran recopilados en Cancioneros, junto con romances y canciones.
Los Cancioneros, en España, el más destacado en cuanto a villancicos es el Cancionero
de Palacio. Es el mas extenso y completo llegado hasta nosotros de la
música cortesana de los Reyes Católicos. Han sobrevivido 458 de sus 548 piezas,
la mayoría son a tres y a cuatro voces y están calificados como Villancicos.
Una variante
es el villancico religioso, llamados
así por su temática religiosa (no litúrgica). Aparece principalmente junto a
piezas profanas. Musicalmente no difiere del villancico profano.
Forma literaria:
Estribillo
Todos lo
bienes del mundo…………….A
Pasan presto
su memoria
Salvo la fama
y la gloria.
Copla
El tiempo
lleva a los unos……………….B
A otros
fortuna y suerte
Y al cabo
viene la muerte
Que no nos
dexa ningunos
Todos son
bienes fortunos………………..A
Y de muy poca
memoria
Salvo la fama
y la gloria.
Audición: “Todos
los Bienes del Mundo”. Juan del Encina.
Actividad: practica con la flauta y canta el villancico
“hoy comamos”.
- Música
religiosa protestante renacentista.
6.1. Alemania.
El coral. En Alemania surgirá otro tipo de música sustitutiva de
la gregoriana y de las complicadas polifonías de la Iglesia Católica ,
lo cual llevará la impronta de la Reforma Luterana.
El
nacimiento del protestantismo tendrá ciertas repercusiones musicales en
Alemania y en la
Iglesia Anglicana. Podemos decir que la historia de la música
alemana comienza con la
Reforma , la cual tuvo tanta importancia que es difícil
concebir las figuras de Bach y Haendel
sin la misma.
Lutero,
fundador de la reforma, estaba convencido de la importancia de la música para
el culto como medio educativo y de edificación de la fe. Se propuso dotar a su
Iglesia reformada de un repertorio de himnos alemanes, llamados corales,
destinados al canto de los fieles en el oficio religioso.
A finales
del siglo XVI, bajo la influencia de la música de Orlando di Lasso,
surge el motete-coral o motete protestante, que utilizando las
melodías de los corales como material sonoro, vuelve a un tipo de composición
mas libre, al estilo de la escuela franco-flamenca. Destaca el compositor Michael Praetorius. Al colocarse la
melodía en la voz superior queda consagrado el Coral alemán del siglo XVII.
Audición:
M. Praeorius. “Coral navideño”. http://www.youtube.com/watch?v=1dLysqqnCZQ&feature=related
6.2. Inglaterra. El Anthem. También la
iglesia anglicana adaptará su canto peculiar a finales del siglo XVI. Al
retener ésta la mayoría de las prácticas católicas, conserva también algunos de
sus motetes polifónicos con adaptaciones y textos ingleses. En armonización
sencilla a cuatro voces, se métrica muy regular, suelen llevar el nombre de
Anthem (antífona e himno).Los más sobresalientes son Tallis (1505-1585)
y Byrd (1542-1623).
Audición. Haec Dies. Byrd. The King´s singers . http://www.youtube.com/watch?v=yxWMB3H3mf8&feature=related
Audición. Haec Dies. Byrd. The King´s singers . http://www.youtube.com/watch?v=yxWMB3H3mf8&feature=related
- La
música Instrumental en el Renacimiento.
En los
siglos anteriores los instrumentos habían desempeñado un papel complementario
de la música vocal. Así, tenemos constancia en el acompañamiento de melodías
vocales de trovadores.
Factores que
favorecieron el desarrollo de la música instrumental:
- Ÿ Desarrollo en la fabricación de instrumentos.
- Ÿ La aparición de numerosos tratados teóricos y prácticos de música instrumental. Favorecido por el desarrollo de la imprenta.
- Ÿ La introducción de sistemas de notación que no requerían grandes conocimientos, denominados tablaturas.
- Ÿ El aumento de la consideración en todas las capas sociales de la música instrumental, lo que provoca la aparición de gran número de aficionados y profesionales.
7.1. Fuentes.
Tenemos varios tratados que nos permiten conocer los instrumentos del
Renacimiento. “Declaración de
Instrumentos” de Juan Bermudo (1555); y el más importante y
completo, “Syntagma Musicum” de Michael Praetorius (1618). En él
hay descripciones y grabados de los diferentes instrumentos utilizados durante
el siglo XVI. En el siglo XVI la construcción de instrumentos alcanza un alto
grado de perfección. Los principales constructores serán italianos, seguidos de
los alemanes.
7.2. Formas
instrumentales:
- canzona
da sonare , pieza polifónica resultado
de adaptar obra de tipo vocal.
- el
ricercare, pieza polifónica
basada en el recurso de la imitación.
- la
variación, que se basa en la
modificación de una melodía ya dada, religiosa o profana.
- relacionadas con la danza: el branle y baja danza. Courante,
Allemande, Pavana y Gallarda.
- tiento
o fantasia, de carácter
improvisado.
7.3.
Principales instrumentos.
Instrumentos de teclado. De este
grupo hay que mencionar los tres siguientes: órgano, clavecín y clavicordio. El
órgano fue el que adquirió un mayor protagonismo de los tres, sobre todo en la
música sacra. http://www.youtube.com/watch?v=IuFLhZM1wNs&feature=player_embedded#!
Instrumentos de cuerda pulsada. En este
grupo, el protagonista indudable de esta época será el laúd, aunque también
merece mención especial la vihuela, por la aceptación que tuvo en España.
Instrumentos de cuerda frotada. En el siglo
XVI se puede hablar de dos familias de instrumentos dentro de los instrumentos
de cuerda frotada: la de las violas y la de los violines. http://www.youtube.com/watch?v=MoXrMOsnRVo&feature=related
Instrumentos de viento. Durante el
Renacimiento el desarrollo de los instrumentos d viento fue espectacular.
Tenemos los cromornos y los caramillos,
dulzainas y bombardas se llamarán oboe a partir del siglo XV,
eran conocidos en la ejecución de música al aire libre. Las trompetas,
asociando a su uso a las festividades y el trombón, semejante al sacabuche
o bocina medieval.
7.4. La Vihuela. La práctica del Laúd en Europa coincide con el apogeo
de la Vihuela
en España. La caja de esta es plana y su mástil corto. El musicólogo M . Pérez, destaca la importancia de
este instrumento: “La música de Vihuela constituye hoy, junto con la música
de Cabezón y la escuela de la polifonía religiosa, una de las más gloriosas
contribuciones a la música europea como ya casi no veremos a encontrar otra
similar hasta la escuela nacionalista de Albéniz, Granados y Falla, en el
transito del siglo XX”.
Entre los principales compositores
de música para vihuela destacaron los siguientes:
Ÿ Luís de
Milán (1500-1562). En 1536 publica el primer libro de música instrumental
español: “libro de música de vihuela de mano intitulado el maestro”.
Ÿ Luís de
Narváez. Publico en 1538 “los seis libros del delfín de música de cifra para
tañer vihuela”, consta de 52 piezas.
Ÿ Alonso
Mudarra (1510-1580). En 1546 publica “tres libros de música en cifra para
vihuela”.
Otros
compositores destacables fueron Enrique
de Valderrábano, Diego Pisador y Miguel de Fuenllana.
Audición Vihuela: Luys de Narváez. Diferencias sobre “Guárdame las
vacas”
Interpretación de guitarra:
Interpretación de guitarra:
- Polifonistas españoles.
España en el Renacimiento es una gran potencia musical, con tres escuelas
musicales: La escuela castellana, la andaluza y la levantina. De los compositores
de música vocal religiosa, los mas importantes son:
Cristóbal de
Morales (1500-1553). Primer representante español de la primera mitad del
siglo XVI y la cabeza de la Escuela Andaluza. Entre 1535 y 1545
residió en Roma, en contacto con Josquim y Ockemghem. Su influencia es
muy clara en los continuadores de la Escuela Andaluza
y en Francisco Guerrero.
Francisco
Guerrero (1527-1599). Sevilla. Discípulo de Cristóbal de
Morales, y su sucesor en la Escuela Andaluza , también escribió música
profana. Imprimió sus obras en Francia, Italia y Flandes.
Tomás Luís
de Victoria (1548-1611). Ávila. Tomás Luís de Victoria es uno de los
músicos españoles mas grandes de todos los tiempos. Viajó por Europa y tuvo
larga estancia en Italia, asimiló las recomendaciones de Zarlino en el
sentido de cómo aplicar los acentos de las palabras a la figuración métrica y
melódica de su música, algo que seguiría también Palestrina. Grout
considera a este compositor perteneciente a la Escuela Romana ,
esto es debido a la luminosidad y claridad de las voces en su polifonía,
que responde a las directrices contrarreformitas del Concilio de Trento.
Audición:
Tomás Luís de Victoria.
Cristobal de Morales
- Actividades sobre el tema:
- Enumera las escuelas
polifónicas del Renacimiento. La
escuela Romana.
- ¿Qué es el motete renacentista? Nombra a los compositores que inician el
motete.
- ¿Quién crea la misa cíclica? Describe los
distintos tipos de misa según la melodía.
- ¿Qué es la armadura? ¿Qué nos indica el circulo de quintas?
- Nombra las diferentes
formas de música vocal profana
renacentista. El villancico.
- Música religiosa protestante.
¿Cuáles son las formas musicales según paises y en que consisten?
- Clasificación de los
instrumentos de cuerda. Origen mitológico de los instrumentos.
- ¿Qué es la Vihuela? ¿Por qué es
importante la música de Vihuela? Nombra a los principales compositores de
música de vihuela.
- Nombra las diferentes escuelas
polifónicas españolas. Tomás Luís de Victoria.
- ¿Has disfrutado de las
audiciones?, ¿cual te ha llamado mas la atención? y ¿por qué?
- Actividad de refuerzo: Realiza un esquema del tema. Realiza después un resumen con las ideas mas importantes partiendo del esquema.
- Dibuja la escala de DoM y sitúa los tonos y semitonos.
- Actividad: Copia y practica este villancico navideño. Joy The Word.
