Objetivos
· Diferenciar las características de la
música barroca.
· Ampliar y practicar los conocimientos de
lenguaje musical: signos de repetición.
· Escuchar obras instrumentales barrocas.
· Reconocer tipos de frases musicales.
· Interpretar música con sonidos alterados.
· Escuchar fragmentos de música vocal:
ópera, zarzuela, oratorio, cantata, etc.
· Conocer estilos vocales religiosos y
profanos del barroco.
· Apreciar las formas musicales del Barroco.
· Conocer la importancia de la música
instrumental en el Barroco.
· Escuchar obras de grandes músicos
barrocos, como Vivaldi, Haendel y Bach, etc.
· Conocer los instrumentos barrocos. La
guitarra española barroca.
· Interpretar fragmentos vocales polifónicos
(en canon y a dos voces).
· Valorar la función del músico al servicio
de la monarquía y la religión.
Mapa
de Europa en los siglo XVII-XVIII
1. Contexto social e histórico. Tras la plenitud que el siglo
XVI supone para la sociedad renacentista, a finales de siglo Europa entra
nuevamente en una crisis general que abarca lo religioso, lo político, lo
económico y lo artístico.
- Desde el
punto de vista religioso, ha heredado todos los problemas de
- Desde el
ángulo económico, la crisis no es menor: aumenta la población, la economía sigue siendo agrícola, hay frecuentes
carestías, periodos de hambruna, existiendo mayor diferencia entre clases
sociales. Inglaterra, Francia y Holanda son las naciones que se imponen en
ese periodo, con disputas entre la nobleza y la burguesía de grandes
comerciantes. Mientras, en los
países empobrecidos, como España se
hace mas evidente la división social entre una exigua minoría que tiene
grandes riquezas y una muchedumbre de pobres, la clase media desaparece.
- La crisis es también
estatal,
marcadas por guerras entre las
modernas naciones surgidas en el siglo XVI a la que se unen las frecuentes guerras
civiles y las revueltas entre las diferentes clases sociales. Tras
2. La música del Barroco, generalidades. El barroco es uno de los
periodos mas ricos de la
Historia de la
Música. En los años que van desde el último tercio del siglo
XVI hasta mediados del siglo XVIII, se operan tal cantidad de cambios que nos
obliga a considerarla como una época cumbre en la Historia.
- El término Barroco. Este término procede de
una palabra portuguesa que significa “perla de forma irregular” y fue usado como un término despectivo,
anormal, extravagante o de mal gusto. En el siglo XIX, Barroco
pierde este carácter peyorativo y
se aplica al arte del siglo XVI al 1750, más o menos.
- Una música al servicio de
los poderes. El Barroco es un periodo de crisis económica y de conflictos
religiosos y espirituales. El catolicismo depurado de Trento, el
Protestantismo y la fuerte monarquía absoluta establecida en Europa, van a
hacer nacer diferentes estilos musicales dependientes del poder al que
servían. El tremendo desarrollo que se da en el campo musical en esta
época, no se hubiese dado sin ese soporte del poder político y religioso.
- El hombre del Barroco y la música. Si el hombre del
Renacimiento es un ser sereno, seguro de sí, con ideales de proporción,
claridad y orden, el del Barroco ama la inquietud, la tensión, busca la
expresión de lo sublime, lo sobrehumano y lo portentoso. Esto se reflejará
en su música.
Etapas.
La nación mas importante fue
Italia, aunque destaca también Francia durante la segunda mitad del siglo XVII.
El compositor cuyas obras contribuyeron en mayor medida a establecer el estilo
nacional francés fue Lully (italiano de nacimiento). En realidad, hacia
fines del periodo barroco, la música se había convertido en una lengua
internacional con raíces italianas.
Podemos distinguir tres
etapas:
- Primer Barroco (1580-1630). La armonía tenía un carácter
experimental y pretonal. No se contaba con la facultad de saber como
sostener un movimiento prolongado y en consecuencia, todas las formas eran
a pequeña escala y divididas en secciones. Entonces se inició la
diferenciación entre los idiomas vocal e instrumental, dominando todavía
la música vocal.
- Barroco medio (1630-1680). Dio pie a la creación del
estilo del Bel Canto aplicado a
- Barroco tardío (1680-1730). Tonalidad plenamente
establecida, con progresiones reguladas por los acordes. Las formas
adquieren grandes proporciones, apareció el estilo de concierto. La música
instrumental dominó a la vocal.
Estilo nacionales:
- Estilo
Italiano.
Caracterizado por una continua búsqueda de la afectividad. Es una música
de enormes contrastes. Con músicos como Monteverdi, Corelli o
Vivaldi.
Audición: Concierto para
mandolina. Vivaldi. http://www.youtube.com/watch?v=LPIZbBH-FNY&feature=related
- Estilo
Francés.
De corte mas clásico, menos afectado, presidido por el Buen Gusto.
Podemos distinguir dos líneas: un Barroco solemne y pomposo, de corte versallesco, y otro
mas intimista, de música que acaricia los oídos. Destaca el compositor
Lully.
- Estilo Alemán. Mas geométrico y
racional. Cabe distinguir entre el Barroco del Sur, católico, de corte
italiano; y el del Norte, protestante, heredero de la tradición
franco-flamenca. Durante el último Barroco, se va a producir precisamente
en esta zona, una síntesis de estilos, italiano, francés y alemán, con
músicos como Haendel, Telemann o Bach.
3. Recursos
fundamentales del Barroco Musical:
- Textura de Monodia Acompañada. El Barroco busca poner en música con eficacia
textos dramáticos o líricos. Se tomo como modelo la monodia antigua sin
conocer directamente esta música, se hallo una nueva monodia y se expresa
su contenido afectuoso. Como acompañamiento aparece el nuevo Bajo
Continuo en lugar del habitual acompañamiento de laúd de las
canciones.
- El Bajo Continuo. Se destruye el principio
de igualdad de las voces típico de la polifonía renacentista, en el
Barroco todo gira en torno a las voces extremas, mientras las demás hacen
un simple relleno en armonías verticales. El bajo se tocará con clave,
laúd o arpa, reforzados por algún instrumento como el violonchelo, el
bajón, o la viola baja.
- El Estilo Concertato. La expresión máxima de la
ley del contraste en el periodo barroco será el estilo concertato.
Es enorme la variedad de combinaciones posibles. El concertato contrapone
coros y solos, partes vocales e instrumentales, tutti y solo, movimientos y ritmos rápidos y
lentos; la música adquirirá así una complejidad sustancial, a los que se
unirá otras técnicas como los ritornelos, contraposición entre
nociones contrapuntísticas y armonías.
- El Movimiento. Es otro de los recursos básicos de la música
barroca, lleva un sentido de movilidad y antiestaticidad muy marcado, de
algo que fluye. Con el Barroco surge
- Otros
Recursos estilísticos:
· Cromatismo: es uso de la escala cromática empieza a ser
habitual en los compositores de final del Renacimiento (sobre todo en los
Madrigales), bajo la pretensión de hacer la música mas sensual y expresiva.
Este uso acabará consolidándose del todo en el Periodo Barroco.
· Disonancia: sonidos que armónicamente no
suenan bien. Su uso no era extraño con anterioridad al Barroco. La novedad es
que ahora se usará con mayor profusión, también en los tiempos fuertes, llegará
a ser abusivo en el primer Barroco.
Escala cromática:
4.
Lenguaje musical. Signos de Repetición.
Estos signos nos ayudan a ahorrar espacio en la partitura. En música es muy frecuente que se
repitan las mismas frases musicales, por lo que existen símbolos que nos asisten a la hora de saber los compases que hay que repetir al tocar. Esta característica de los
signos de repetición es muy útil en el sentido que nos evita volver a escribir compases que ya han sido escritos; y por lo tanto nos evita un esfuerzo
extra a la hora de componer música.
· Barra de repetición: Es una barra ancha que cruza en perpendicular el pentagrama, se caracteriza por tener dos puntos. Esta barra nos indica que el fragmento tiene que repetirse.
· Casillas de 1ª y 2ª vez. Estas casillas de verificación se usan generalmente, junto a la barra de dos puntos. Este símbolo indica también una repetición, pero con salto cuando se toca la repetición. En la practica hay que saltarse el compás indicado en la primera casilla pasando directamente a la segunda.
· D.C. ( da capo). Significa desde el principio. indica una repetición de principio a fin de la partitura. Generalmente equivale a la barra de repetición, cuando se añade el Fine , hay que terminar en este y no seguir.
El signo Da Capo dispone de dos
variantes para hacer
este símbolo más versátil.
este símbolo más versátil.
· Coda. Indica una referencia y puede aparecer como DC a Coda. Su significado es que después de la repetición hay que saltar al segundo símbolo de Coda.
5. Interpretar.
Pieza vocal. (Atrás)
6. Música vocal profana del Barroco: la ópera. Italia,
Francia e Inglaterra.
6.1. La ópera en Italia.
Hablar de la música vocal en
el Barroco, nos lleva a hablar del nacimiento de la ópera como punto de partida
fundamental.
- Claudio Monteverdi. (1567-1643). El acompañamiento instrumental en Monteverdi es de gran variedad y empleará con gran sensibilidad cada instrumento según la escena. Obras: La fabula de Orfeo (Mantua, 1607), El retorno de Ulises a la patria (Venecia, 1641) y la coronación de Popea (Venecia, 1642).
1) La
separación del canto solístico en dos tipos definidos, el recitativo y el aria.
Las arias eran melodiosas y predominantemente estróficas.
2) Mayor empleo de coros y de
escenas cómicas. El género operístico alcanza su punto álgido con la ópera San
Alesio (1634), obra de S. Landi.
Audición.
Legrenzi. http://www.youtube.com/watch?v=mUxFltZ9I9A&feature=related
- La ópera italiana de la
primera mitad del siglo XVIII. Toda la primera mitad del
siglo XVIII está marcada por la presencia de dos poetas: Apóstolo Zeno
y Metastásio, que prácticamente hicieron todos los libretos de ópera de
compositores como Pergolesi. Tenemos nuevo género: la ópera bufa. Así
tendremos dos tipos de óperas atendiendo al argumento: la ópera seria y la
ópera bufa, siendo la ópera Bufa una especie de caricatura de la
vida napolitana. Fue Pergolesi
(1710-1736) el que llevó la ópera Bufa a su máximo desarrollo,
Audición: La serva padrona. Pergolesi.
Monteverdi
6.2. La ópera en Francia.
- La tragedia lírica:
Jean-Baptista Lully. la tragedia lírica, síntesis de diversos
géneros preexistentes en las tradiciones literarias, musicales y de danzas
francesas e italianas. Las obras maestras de Lully son Roland (1685)
y Armide (1686). Antes de su muerte, acaecida en
- La tragedia Lírica de
Rameau. La
repentina irrupción en la escena francesa de Hippolyte Et Aricie (1733),
primer ensayo de Rameau para el teatro musical, supuso la
recuperación del estilo de
Lully Rameau
6.3. La ópera en Inglaterra.
- Música vocal de Henry
Purcell. su
producción en el terreno operístico se redujo a una obra: Dido And
Eneas. Esta pieza maestra revela la fidelidad de Purcell a la
tradición teatral de su país como a
las practicas musicales francesas e italianas.
- La ópera de Haendel. Era considerado en
Londres como músico italiano, a
pesar de su origen alemán. Haendel escribió casi 40 óperas: Teseo (1713),
Amadis de Gaula (1717), Agripina (1718), Julio Cesar en
Egipto (1724), Orlando (1733) e Himeneo (1740). Casi la
mayoría tratan asuntos de
Haendel
7. La Zarzuela del siglo XVII.
Junto con la ópera, género de
importación italiana, va a nacer en España en el siglo XVII la Zarzuela ,
adaptación típicamente hispana de los procedimientos del teatro musical. La
zarzuela es un género mas ligero y burlesco, de temática
mitológico-pastoril. El origen de este
termino se debe al lugar donde se celebraban las fiestas y espectáculos de
corte conocidos como la zarzuela. Las diferentes mas notables de la zarzuela
con la ópera son las siguientes:
-La ópera representa lo
internacional mientras que la zarzuela lo nacional.
-En la ópera se alterna el
canto con el recitativo, mientras que en la zarzuela se alterna el canto con la
declamación hablada.
Este género fue inventado por Calderón
y conformado por la musica de Hidalgo a partir de la década de 1650, su
primer ejemplo es Laurel de Apolo de
Calderón.
Tras la muerte de Hidalgo
la zarzuela se convirtió en la especialidad de algunos compositores de la corte
como Navas, Durón y el algo posterior Antonio de Literes. La
última década del siglo XVII muestra una gran profusión de zarzuelas, de las
cuales hay testimonios que demuestran la gran aparatosidad y realce de estas
representaciones.
De especial interés para el
conocimiento del repertorio zarzuelero y del teatro musical son las partituras
impresas de Destinos vencen finezas de Navas, tesoro musical,
riqueza, gracia y variedad, además de plenitud de texturas de la zarzuela
española.
8. Música
vocal Religiosa en el Barroco.
- Música religiosa en
Italia. El oratorio.
Definición: El oratorio es una
composición vocal-instrumental con partes líricas y dramáticas sobre textos
bíblicos o religiosos de carácter alegórico, pero sin escenografía ni acción.
En él intervienen un narrador
o cronista de escena, voces solistas que desarrollan los momentos líricos, coro
y orquesta. Al igual que en la ópera, puede haber una obertura o introducción
instrumental, y los solos pueden ser cantados en forma de arias y recitativos
(declamados).
Entre los principales
cultivadores del oratorio en Italia destaca Carissimi (1605-1674). Su
música está tratada homofónicamente y los coros resultan vivos y descriptivos. Entre
los continuadores de Carissimi en el siglo XVII, hay que destacar a Alessandro
Stradella, consideraba su oratorio S.
Juan Bautista como su obra maestra.
Audición: pieta signori.
Stradella. A. Bocelli. http://www.youtube.com/watch?v=edZlsahl-II&feature=related
- Alemania: La cantata y
En Alemania también fue fuerte
la influencia de la música religiosa italiana debido al trasiego de músicos
entre ambas naciones. Muchos italianos ejercían cargos importantes en Viena,
Munich, Dresde o Hamburgo, al tiempo que muchos músicos alemanes se formarán en
Italia.
La cantata religiosa se
desarrolla posterior a la profana, pero es en Alemania donde encontrará la
mayor brillantez, relacionada con el culto luterano. Desde principios del siglo
XVII se incorporan al género musical de la cantata y el resto a base de arias,
coro y orquesta sobre textos libres interpolados en el relato evangélico.
Pero antes de Bach estará H. Schutz (1585-1672).Las obras mas famosas son : Conciertos
Espirituales, Sinfonías Sagradas, y los oratorios de las Siete Palabra
de Cristo en la Cruz
e Historia de la
Navidad.
Schutz es pues, musicalmente
en Alemania el lazo de unión del estilo polifónico antiguo A capella, con el
nuevo de la melodía acompañada y de la música concertante.
·
Música vocal religiosa en el siglo XVIII. Haendel y Bach.
La decadencia en la música
religiosa ante el nacimiento de la ópera, seguirá acentuándose en el siglo
XVIII, ya que la música instrumental y operistica adquirieron un fuerte
desarrollo, la religiosa que pasa a ocupar un segundo plano, quedo supeditada a
los vaivenes y modas de la ópera.
G. F. Haendel (1685-1759). es en el oratorio donde
Haendel plasmará lo mejor de su genio, escribiendo 32 de ellos, dando
gran importancia a los coros.
Son célebres obras como Israel
en Egipto, Judas Macabeo o el Mesías, son verdaderas epopeyas corales y
dramáticas. El Mesías, compuesto tan sólo en 24 días, trata sobre las
meditaciones místicas de la anunciación, nacimiento y muerte de cristo, es el más
popular de estos oratorios.
J. S. Bach. (1685-1750).
Su obra vocal se reduce casi
toda a lo religioso. Su música religiosa, sin que sea descriptiva, nos habla
con el mayor lirismo y humanidad mística de las alegrías y sufrimientos del
cristiano, así como de la
Pasión de Cristo.
Lo primero que hay que
considerar en su producción religiosa son los 371 corales. Se trata de melodías
sencillas, a cuatro voces, en estilo homofónico o vertical, de ritmo uniforme y
tranquilo, que invitan al recogimiento u la oración.
Las cantatas quizá representen la parte mas
extensa de su producción vocal. Algunas las escribió para el culto luterano
(religiosas) y otras, las menos, para diferentes circunstancias de la corte (profanas). Las primeras superan la
cantidad de trescientas.
Otras obras vocales religosas
muy destacadas son las pasiones. Compuso cinco, pero conservamos La pasión
Según San Juan y la Pasión según San Mateo.
Finalmente, dentro de su
producción religiosa, merecen citarse las cuatro misas protestantes y la
católica “Misa en si menor”, aunque no encaje en el riguroso marco de la Liturgia Católica
de entonces.
Bach.
9. Música
instrumental en el Barroco.
Por primera vez, la música
instrumental rivalizará con la música vocal, que hasta entonces había ejercido
dominio absoluto; todo ello es debido, en parte, al perfeccionamiento de los
instrumentos.La aparición de Bajo Continuo y Cifrado sirvió para plasmar lo que
yacía latente en la música de danza del siglo XVI: un bajo constante, sobre el
que las partes se pudiesen desarrollar con libertad.
Tipos generales de composición en el Barroco Temprano (Siglo XVII):
·
Formas
fugadas:
-Tipo ricercare, son piezas de contrapunto imitativo continuo. Se las
denominaba ricercare, fantasía, fuga, con el tiempo se unieron a la fuga.
-Tipo canzona, piezas de contrapunto imitativo discontinuo (con
secciones). Estas piezas llevaron a la Sonata de Chiesa Barroca, lo cual constituyo la
línea evolutiva mas importante en la música instrumental del siglo XVII.
·
Piezas
basadas en una melodía o bajo dados: principalmente son El tema y variaciones, la pasacaglia o chacone,
la partita coral y el preludio coral.
·
Danzas y otras piezas de danza mas o
menos estilizadas: como la Suite.
·
Piezas de estilo
improvisatorio para
un instrumento de teclado o para laúd, solos llamados Toccata, Fantasía o
Preludio.
Audición:S. L. Weiss. Laúd. “Chacona en Solm”
http://www.youtube.com/watch?v=XOdov6ta43U&feature=related
Audición: Anúncio Levis- Haendel. Zarabanda .
http://www.youtube.com/watch?v=NyNI2FOYnHg&feature=related
El Concierto Barroco.
El concierto, que aparece en
las dos últimas décadas del siglo XVII se convirtió en el tipo mas importante
de música orquestal barroca después de 1700. El concierto era la síntesis, en
música puramente instrumental, de cuatro prácticas barrocas fundamentales: “el
principio del concertato, la textura de un bajo firme y una voz superior
florida; una organización musical basada en el sistema tonal Mayor-Menor; y la
construcción de una obra extensa a partir de movimientos separados”.
Dos tipos: el concerto
grosso, (gran concierto) y el concierto solístico, ambos
contrastaban sonoridades: en el primero, un pequeño grupo de solistas, y en el
solístico un único instrumento, se oponían a la masa principal del sonido
orquestal.
La orquesta era casi siempre
de cuerdas: violines primeros y segundos; chelos y violone, con bajo continuo.
Originariamente, el concerto grosso significaba concierto grande, por
oposición al concertino o pequeño conjunto, el grupo de instrumentos
solistas.
Audición: Concierto Rameau. http://www.youtube.com/watch?v=8ftyJLl6jl4
Compositores importantes de conciertos barrocos:
- Corelli. Los concerto grossi de
Corelli figuran entre los primeros ejemplos de concierto que
emplean el principio del contraste entre solo y tutti.
- Torelli. Pero el compositor que
mas contribuyó al desarrollo del concierto hacia finales de siglo fue
Giuseppe Torelli (1658-1709). La mayor parte de sus conciertos está
escrita en tres movimientos (rápido-lento-rápido).
- Vivaldi. el mas grande maestro del
barroco tardío fue Vivaldi (1678-1742).Vivaldi fue el mas prolífico
compositor de conciertos. Sus obras instrumentales y en especial los
conciertos son siempre atractivos a causa de la frescura de sus melodías,
de su vigor rítmico, de su tratamiento del colorido solístico y orquestal,
y la claridad de su forma.El violín suele ser el instrumento solista. Vivaldi
fue el primer compositor que otorgó al movimiento lento del
concierto la misma importancia que a los dos allegros. En su música destacan
Las estaciones y su colección L´estro armónico.
- Haendel (1685-1759) cultivó tanto
el concerto grosso como el de solista. Sus concerti
grosso. Escritos en Inglaterra, están basados en el diseño y textura de los Corelli, pero
enriquecidos con el color que aporta la sonoridad de las maderas, y los
fuertes contrastes del alto barroco. En sus conciertos para
solistas cabe destacar los escritos para órgano.
- J.S. Bach. Entre las composiciones
de J. S. Bach, cabe
destacar los seis compuestos para Ludwing de Brandemburgo en 1721,
que fueron denominados “seis conciertos con varios instrumentos”. A destacar la importancia
que concede a los instrumentos de viento. Bach instaura en este
sentido una igualdad en relación a la cuerda.
Audición:. Invierno. Vivaldi http://www.youtube.com/watch?v=nGdFHJXciAQ&feature=list_related&playnext=1&list=AVGxdCwVVULXfNW3cNeYs5bwez9-097S-h
Audición: Concierto de Branderburgo n.
6 . allegro. J.S. Bach. http://www.youtube.com/watch?v=4KDoz-7IHI4
10. Los Instrumentos Barrocos.
Entre el inicio del Barroco y el posterior desarrollo de éste, muchos de los instrumentos de finales del Renacimiento fueron desapareciendo. Esto fue debido a esa búsqueda de afectividad de la música Barroca, que tuvo como consecuencia la eliminación de aquellos instrumentos que no podían realizar matices.
Entre el inicio del Barroco y el posterior desarrollo de éste, muchos de los instrumentos de finales del Renacimiento fueron desapareciendo. Esto fue debido a esa búsqueda de afectividad de la música Barroca, que tuvo como consecuencia la eliminación de aquellos instrumentos que no podían realizar matices.
El Barroco perfeccionará los
instrumentos para que se puedan conseguir
con ellos velocidades sorprendentes (máximas).
- Los instrumentos favoritos de los salones
dieciochescos serán el violín y el clave, que compartirán la supremacía
con la flauta. El perfeccionador de la flauta será Quantz. Se
generaliza el uso del clarinete, gracias a Denner con las llaves
(1690), que lo convertirán en el jefe de su grupo instrumental.
- Desde Vivaldi se generaliza el uso
de Trompeta y Trompa en la orquesta.
- El fagot y el oboe, perfeccionan también
sus sonidos violentos y estridentes, añadiendo llaves en la primera mitad
del siglo XVIII.
- El violín adquiere una gran importancia,
no sólo por su capacidad expresiva y su potencia sonora, también por la
agilidad de ornamentación. Este instrumento satisface las necesidades de
movimiento barroco, y permitía ejecuciones rápidas y movimientos extremos;
florecen los grandes constructores de Cremona, como Stradivarius,
Amati y Guarnieri. Después de la introducción del violín en la
orquesta y su consagración en la época de Corelli, comenzaron a
florecer diferentes escuelas ya en el siglo XVIII, se trataba de
perfeccionar las técnicas interpretativas.
- Asistimos también al nacimiento del piano
al reemplazar los cañones de pluma del clave por los macillos en un
instrumento que llamó “Gravicémbalo Col Piano e Forte”, gracias a Cristofori
en 1709, que al abreviarse se llamo “piano-forte”, y aquí en
España sólo Piano. El ejecutante podía producir a voluntad, según la
presión en la tecla sonidos fuertes o suaves.
- En cuanto a la orquesta, llamada de cámara, procede del Concerto Grosso
coreliano sobre bajo continuo.
Ejercicio: pon
el nombre a los siguientes instrumentos barrocos.
11. La guitarra española barroca. Gaspar Sanz.
El laúd fue eclipsado durante
el siglo XVI por la gran popularidad de la vihuela, pero algo parecido le
ocurrió a ésta a favor de la guitarra durante el siglo XVII. Lo demuestran los
tratados teórico-práctico que se publicaron a lo largo del siglo:
Ÿ “Guitarra española de Cinco
Ordenes” (Barcelona, 1596) de Juan Carlos Amat (1572-1642). Libro de ambiciones modestas
pero de mucho éxito por su carácter eminentemente práctico. No pretende mas que
enseñar la manera de obtener los 12 acordes consonantes mayores y menores sobre
cada grado cromático.
Ÿ “Método mui facilissimo para
aprender a tañer la guitarra a lo español” (París, 1626) de Luís de Briceño. Es también una obra que
pretende enseñar y difundir la manera española de tocar, es decir, con
rasgueados, arpegiando los acordes.
Ÿ “Introducción de música sobre la
guitarra española y método de sus primeros rudimentos” (Zaragoza, 1674) de
Gaspar Sanz (1640-?). Es el tratado mas completo de su época, consta de tres libro: el
primero, de carácter mas elemental (afinación, notación, ornamentos, piezas
sencillas, etc.); el segundo contiene piezas españolas típicas de la época; el
tercero también carece de parte practica
e incluye piezas de gran belleza y dificultad. Fue una obra enormemente
popular en su tiempo, realizándose ocho ediciones de la misma entre 1674 y 1697.
Audición: tarantella de Gaspar
Sanz. http://www.youtube.com/watch?v=lsuAZ69UfbA&feature=related
12. Lenguaje musical: La frase musical.
Es una unidad conceptual de ocho compases, aunque a
veces puede ser de cuatro compases. Con relación a su similitud con el lenguaje
hablado se la divide en antecedente y
consecuente.
Ejercicios sobre la partitura:
·
¿Quién es el autor
de esta pieza (air)?
·
¿Es una pieza
instrumental o vocal?
·
¿A que estilo
barroco pertenece? ¿por qué se caracteriza?
·
Indica y explica
el tipo de textura que utiliza esta pieza de Lully.
·
Señala en la
partitura de arriba las frases musicales, antecedentes y consecuentes.
·
Copia la melodía utilizando la clave de sol
en el pentagrama del cuaderno utilizando algún signo de repetición.
·
Marca con un
círculo los matices de intensidad que aparecen en la pieza.
·
Interpreta la
pieza con la flauta.
Actividades de la Unidad 4:
- ¿Qué significa en origen el término Barroco?
- Indica las diferentes etapas y estilos dentro del Barroco musical.
- Define:
·
Policoralidad
·
Estilo Concertato.
·
Monodía acompañada.
·
Bajo continuo.
·
Cromatismo.
- ¿Para qué sirven los signos de repetición? ¿Qué significa Da Capo?
- ¿Por
que es importante
- Señala los principales autores y obras de la ópera en Inglaterra.
- ¿Como
surge
- Música vocal religiosa: J. S. Bach.
- Nombra las formas instrumentales del barroco instrumental. El concierto y sus compositores.
- ¿Qué sabes de la guitarra del siglo XVII?
